Nuestra motivación es la difusión y promoción del arte peruano y latinoamericano, para lo cual participamos en diferentes ferias internacionales en importantes ciudades como Nueva York, Buenos Aires, Bogotá y Miami. Además estamos presentes en librerías, galerías de arte y eventos relacionados a las artes visuales en Perú y Panamá.

En sus páginas se podrá encontrar a los artistas más destacados y sus obras, en amplias fotos y en un diseño muy actual. Colaboradores y críticos de arte consolidados en el medio artístico desde diferentes ciudades del mundo vienen aportando con sus textos en este importante proyecto editorial. Artmotiv es la única revista especializada en artes visuales del Perú. Fotografía, pintura, escultura, grabado, instalaciones, performances y las expresiones más actuales y de vanguardia están presentes en la revista.

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Analizar la obra de Luz Letts (Lima, 1961) implica detenernos, aunque sea brevemente, en un período vital en la historia de las artes visuales en nuestro medio. Su actividad como artista plástica graduada de la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú se inicia en los primeros años de la década de los noventa, momento de enormes tensiones políticas y sociales que anunciaban tanto la derrota de la amenaza terrorista como el total empobrecimiento de la institucionalidad democrática y la fatal consecuencia del advenimiento de una nueva y siniestra maquinaria de poder estructurada desde el mismo Estado. En la escena artística local se empieza a configurar una nueva generación de artistas plásticos que reaccionan ante los acontecimientos desde variados medios visuales, entre los cuales la pintura no estuvo exenta de representación.

Hacia fines de la década comenzó uno de los más ambiciosos proyectos culturales vinculados a las artes visuales emprendidos por profesionales del medio en estrecha colaboración con entidades del Estado. Me refiero a la Bienal Iberoamericana y Nacional de Lima (1997-2002), que permitió situar nuestro entorno en un amplio escenario de diálogo regional. Muchas son las controversias y variados los disentimientos en torno a esta iniciativa; sin embargo, no se puede negar que significó una valiosa oportunidad para poner en la mesa diferentes temas de urgencia inmediata en cuanto a las prácticas curatoriales, críticas y artísticas que pocas veces después tuvieron tan notoria cabida.

Es dentro de este contexto que Luz Letts participa con dos proyectos que se alejan formalmente de la pintura. El primero fue Un país por nacer (II Bienal Nacional de Lima, 2000), sobrecogedora instalación que recoge con escasos elementos los restos “crionizados” de manera precaria, en frascos de vidrio y cajas de cartón, de aquellas posibles semillas democráticas o proyectos de país que culminaron abortados a lo largo de nuestra historia.

El segundo proyecto, El azar como destino, se dio con motivo de la edición iberoamericana (y ultima del evento) del 2002. Esta recordada instalación nuevamente ironizaba acerca de las escasas posibilidades democráticas de una nación cuya reiterada estrategia consiste en lanzar monedas al aire al momento de elegir a sus gobernantes. Diez años después la estrategia no ha variado y ante la ausencia crónica de opciones la vieja usanza parece seguir siendo el recurso general.

Comento ambas instalaciones pues significaron momentos de exploración fuera del campo pictórico en la obra de Letts, pero que de ninguna manera se alejan de los temas que forman parte de sus intereses artísticos.

Desde sus proyectos pictóricos tempranos, Letts ha conformado una iconografía personal basada en dos personajes anónimos que representan los principios masculino y femenino en constante diálogo con diversos paisajes y elementos, tejiendo entre sí múltiples alegorías de la condición humana. No son ajenos a los pequeños dramas de lo doméstico ni a los grandes avatares de la política; sin embargo, en sus telas y soportes de madera todos, sin diferenciación, se ven siempre enfrentados a la alteración de sus propias dimensiones. Seres tan pequeños y frágiles que se balancean en una cuerda sostenida por dos semejantes enormes (El pacto, 2008) o tan grandes que sostienen en sus manos varias extensiones de sí mismos (Árbol genealógico, 2004) pueblan este imaginario cargado de ironías, sutilezas, humor y aguda observación.

Este juego de alteraciones (y alteridades) se reitera también en los objetos que enmarcan el accionar de los personajes: sillas, camas, bancas, estructuras laberínticas, animales, seres fantásticos, jardines, espacios acuáticos, bosques, cuerdas, esbozos de banderas, el aire, el vacío, sostienen y definen las narraciones detenidas de estos personajes.

Situaciones de descanso, de introspección, de movimiento, de riesgo, conviven en una amalgama de eventos yuxtapuestos que suelen confundirse, en algunos casos, con imágenes surrealistas y oníricas. Sin embargo, estas escenas van un poco más allá de la anécdota tratando de erigirse como construcciones simbólicas que buscan ser leídas sin complicaciones argumentales y enriquecerse a sí mismas con el sinfín de lecturas que de ellas puedan desprenderse.

La pintura de Letts se afianza potentemente en su notable dibujo, magistral en su sencillez y capacidad expresiva; encontrando en el uso sobrio del color la atmósfera más adecuada que le permite desplegar sin falsos aderezos cada elemento.

Sus recientes exposiciones individuales, Mortales (2004) y Los equilibristas (2008), ambas presentadas en la galería Lucía de la Puente, conformaron de alguna manera un ciclo de reflexión en torno a la muerte y a la precariedad de la existencia, entendida la primera no como un evento funesto sino más bien como una comprobación de nuestra estadía pasajera en el mundo. La presencia de personajes fecundados señala la innegable ligazón existente entre ambos umbrales, por lo que al ser la muerte inevitable se impone la necesidad de vivir en armonía con la certeza de su llegada.

En el siguiente proyecto, la indagación giró en torno a la presencia de frágiles equilibrios entre los cuales la vida debe discurrir. Sostenidos de cuerdas, zancos, ramas, e incluso plácidas hamacas, los personajes deben balancearse continuamente para alcanzar sus metas o simplemente para no desmoronarse.

La nueva serie de obras que Luz Letts tiene en preparación para ser exhibidas en el mes de julio de este año nos coloca una vez más ante un arco narrativo que podría situarse conceptualmente muy al lado de los precedentes. En ellas se mantiene la sensación de precario equilibrio, pero somete a los personajes a un nuevo reto al colocarlos de cabeza. La perspectiva al revés, como toda perspectiva alterada, modifica nuestra mirada y dota de nuevos horizontes aquello que se da por sentado. Pero también nos remite a la condición posmoderna de la velocidad, a la importancia de lo banal, al imperio de la superficialidad, a la inmediatez que pone en riesgo el futuro y extingue poblaciones, especies y recursos. Sin embargo, en medio de toda aquella insania el ser humano prevalece y, afirma la artista, esto es posible gracias a las pequeñas cosas, a las cotidianeidades mínimas que ejercen un momento liberador de plenitud. Esas pequeñas acciones a las que no se debería descuidar, pues son las que evitan que nuestra vida gire irremediablemente al revés todo el tiempo.

Sueño cotidiano.

La riqueza del imaginario del artista se funda en la capacidad ilimitada de crear y recrear mundos nuevos. Esta inédita realidad existente y estructurada plásticamente es el escenario propicio donde muchas veces se representan certezas y dubitaciones, que la magia de su condición plástica hace que podamos asumirlas como verosímiles.

Este conjunto de pinturas de Alberto Flores va más lejos de lo que aparenta, aunque pueda resultar algo extraño reconocerlas e identificarlas, de acuerdo con las formas y configuraciones a las que estamos acostumbrados, y de acuerdo también al tipo de mutaciones que las han afectado. Es notable en esta serie la casi absoluta prescindencia del color, si la comparamos con las anteriores, algo más lúdicas en este aspecto, aunque cabe remarcar que esa condición lúdica no está ausente del todo en esta ocasión, ya que este mundo particular que se expresaba tan generosamente en términos cromáticos ha ido derivando hacia un juego de representaciones y actitudes de otros personajes que ahora encarnan un nuevo relato visual que desarrollan sobre un sorprendente entorno imaginario, aparentemente urbano.

Pero hay algo en este entorno que nos permite rastrear su procedencia. Contemplar la obra expuesta no solo implica la confrontación con un trabajo terminado, estamos ahora ante un relato interminable, donde los personajes transitan distraídos sobre una urbe monocorde y monótona. Quizá solo ejerciendo una relación, entre lúdica y azarosa, con el espacio, sin percibir los detalles, sin tener una cabal dimensión del escenario, como ignorando o huyendo de esa escenografía, como si hubiera algo que llevara a los cuerpos siempre más lejos de sí mismos, alistándose con cierto desenfado en los gestos a tomar el camino desconocido, para ir o para regresar, porque su curiosidad es mucho más grande que sus propios miedos.

En este contrapunto hay dos mundos antagónicos, uno real y el otro inasible, que se van perfilando y que a su vez van construyendo el escenario desde ese territorio integrador a través del cual las experiencias se articulan.

Es en esa medida que nos queda claro que el arte es un proceso de autoconocimiento, de evocación, de secuencias narrativas en las que predomina el asombro –que es una forma de ausencia–, y que no es más que ese mismo espacio donde se materializan las fuerzas que conforman la vida misma.

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De la serie Gritos.

Inyección de tinta en papel fotográfico, 90 x 60 cm

Con este epígrafe del poeta Pablo Neruda, Alessandra Sala corona su primera unipersonal de fotografía curada por la galería Cecilia González. Un recorrido visual que se inicia en una vetusta escalera ascendente de mármol nos introduce en una serie de escenarios interiores baldíos, en los que algunos indicios de una vida anterior muestran su franco y descarnado deterioro, entre ventanas entiznadas que, no obstante, reciben el prodigio de la lluvia.

Alessandra ha recogido las heridas de un antiguo edificio abandonado y las ha colmado de belleza con la intención de sanar las suyas propias. Uno de los guiños terapéuticos de esta muestra es la curiosa locación elegida para sus fotos: una antigua clínica abandonada. La fotografía de Alessandra no se había aventurado antes por un territorio tan personal a la par que inhóspito, aunque ya es difícil identificar la frontera entre algunos de sus trabajos anteriores dedicados al fashion y el arte en su veta más imaginativa.

En el 2008 cursó estudios de fotografía y creación digital en el Centre de la Imatge i la Tecnología Multimédia de la UPC en Barcelona, asistiendo a diversos talleres complementarios para ampliar sus horizontes de composición y narrativa visual. Tras su retorno a Lima, la joven fotógrafa encontraría el espaldarazo emocional que desencadenó su proyecto, como un acto que sobrepasaba su propia voluntad, cuando fotografiar espacios en abandono apenas se distinguía de un acto de íntimo recogimiento, de una ceremonia personal que le procuraba consuelo y que, para fortuna nuestra, se tornó en una muestra que nos acerca a los abismos insondables del dolor, con intensidad pero también con lirismo y sobriedad.

A continuación, ofrendo al lector algunos apuntes personales suscitados por el encuentro con Alessandra y sus fotos.

La autora es muy joven. Una joven fotógrafa. Joven es una palabra cualquiera posada en la indeterminación del dolor. Hay un dolor que no tiene principio ni fin, es una experiencia de desgarramiento. Un recorrido por las habitaciones de la casa que no está habitada sino por tenues huellas de su vida anterior. Escaleras de mármol ascienden a un deslucido y no obstante bello lugar. Las ventanas están entiznadas, y sin embargo la lluvia, prodigio del cielo limeño, nos ha hecho un regalo. El grito es la voz no acallada por la voz de la conciencia: la razón no llegó a tiempo con sus conjeturas ni sus vanidosas explicaciones. ¿En qué son iguales el amor y el dolor, en qué punto se mezclan hasta igualarse? Una sala sombría con un asiento de odontólogo. Extracción: ¿por qué tras la ausencia repentina del objeto de amor el mundo se desangra de sentido? Caminar, correr más rápido que el pensamiento. Sudar y pulsar. El ritmo vertiginoso de la sangre que no se detiene, el pulso tenaz que acompasa la espera de nada. Una extensión mecánica del ojo y la memoria captura, retiene, ordena y alumbra. Magnífico juguete, he oído tu grito. El corazón también es una máquina que golpea el silencio con su rítmico latido.

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